マックス・ハトラー

PEOPLEText: Mariko Takei

11月1日より上映が始まった今年のDOTMOV FESTIVAL 2010。セレクトされた優秀作品の中から、ロンドンを拠点に活躍するアーティストのマックス・ハトラーをフィーチャー。どこまでも永遠に続く異なる2つの世界を展開させた2作品ともがセレクトされた。その内のひとつ「1925 aka Hell」を今月号のカバーとしても展開。DOTMOV選出作についてなど熱く語って頂いた。

マックス・ハトラー
Photo: Miki Takahira

まず、自己紹介をお願いします。

マックス・ハトラー。アーティストであり、主にアニメーションの監督として活動し、映像インスタレーション、ショートフィルム、オーディオビジュアル・パフォーマンスという形態の作品を手掛けています。動画の中の抽象表現と比喩表現の中間にある空間、伝統的な映画の物語の制約から解放されたストーリーが展開する空間というものに興味があります。

メディアアーティスト/映像作家として活動するようになった経緯を教えて下さい。

僕はそんなに映画に夢中になったことはなくて、映画といえば、長い間、物語のある実写ドラマとしてしか知らなかったんです。アニメーションにも興味がなく、”カートゥーン”とよばれるような、面白おかしく描いたような映画しか経験がなかったんです。ビジュアルアート、設計美学、時間ベースの音と音楽メディアなど遠回りしてようやく映像に辿り着きました。子供の頃は、いつも絵を描いていましたね。音楽一家に育ち、ティーンエイジの頃に、コンピューターグラフィックスやアニメーションを少しかじりながら、音楽を制作するのにコンピューターを使用するようになりました。こうした分野をそれぞれが異なるものとして捉えていたので、アニメーション映像を通じることで組み合わせる必要があることに気づくのに少し時間がかかりました。そのことを初めにゴールドスミス・カレッジで学ぶようになりましたが、まとまった表現ができるようになったのは、ロイヤル・カレッジ・オブ・アート(RCA)の大学院でアニメーションを修了してからですね。

シフトの読者にはすでにお馴染みの作品「Collision」(2005)がDOTMOV FESTIVAL 2005で選出されたことで記憶している方も多いかと思います。そして、今回は応募した2作品が今年のDOTMOV FESITVALでセレクトされました。コンセプトなど含め、その2作品のご紹介ください。

「1923 aka Heaven」と「1925 aka Hell」は、フランス人のアウトサイダー・アーティスト、オーギュスタン・ルサージュが手掛ける複雑なパターンのペインティングをベースにしています。もっと細かく言うと、彼が1923年と1925年に手掛けた「ア・シンボリック・コンポジション・オブ・ザ・スピリチュアル・ワールド」(A symbolic Composition of the Spiritual World)という作品です。パターンで表現することと抽象化すること、またアイデアの抽象化ということで僕を魅了したルサージュの作品は、美、精神、永遠性、時間の循環性についてのアイデアを探る上で実りのあるスタートポイントとなりました。2方向のプロジェクションでのインスタレーションするというのが、二つのループを見る理想的な環境ですね。真っ暗な部屋で2つの向かい合う壁で継続的に再生されることで、2つ同時に精神世界の異なるビジョンが展開されます。それらが物理的に同じスペースに存在することで、音と発せられる光が混ざり合い、オーバーラップし、実体験のような環境をつくりだします。

2010年2月にデンマークで行われた「アニメーション・ワークショップ」で5日間かけて2つのループ作品を監督しました。制作は、学生のアニメーターとコンピューターグラフィックスのアーティストでクルーを組んで行いました。インスピレーションとしてアウトサイダーアートに目を向けることで、オーギュスタン・ルサージュと出会いました。ルサージュの作品を見てすぐに、彼のシンメトリーや反復に対するこだわりや、アートに対するスピリチュアルな理解ということにハマりましたね。一人の炭坑作業員だったルサージュが、内なる声にペインターになるように言われたことからアーティストに転向し、レオナルド・ダ・ヴィンチやティアナのアポロニウスなどの明確な霊的な導きのもとでしか絵を描くことがなかったそうです。パターンや自分自身を鏡映しにすることが大好きなので、僕はルサージュの精神世界のビジョンを現代的な動きのあるイメージに変換するというアイデアが気に入り、シンメトリーという特徴にこだわりつつ、音とイメージと動きを使い、スピリチュアルなセンスを高めようと思いました。ループというアイデアは、タブロー・ヴィヴァン(活人画)としても、ルサージュの精神的ビジョンに暗黙にある、終わりのないサイクルの永遠性の表現としても理にかなったものになりました。

全ての作品は、不安定な出発点から最終的に作品になるまでの自分のやり方みたいなものを感じながら制作するところがあります。アニメ映像はゆっくりとした行程を踏むので、ストーリーボードなどを通さないで、自由に変更可能な状態をキープして、有機的に作品を制作するのが好きなんです。そこでこのプロジェクトでは、2つの学生グループが同じ作業をそれぞれ同時に行うことが目的としてありました。それぞれのグループにルサージュの絵を与え、他のグループの人とは話し合わないように伝えました。ルサージュに関して2つの全く異なる見解を表現したかったのです。ルサージュの1923年の絵にはパースというヒントがあったので、それに従うのは自然な流れで、永遠に上昇するループ作品へと展開しました。制作方法のひとつには、動く2Dアニメを学生が制作した3D形状へマッピングするというものがありました。そうすることで、ルサージュのビジョンが未来的で瞑想的で高まっていくループへと変わり、フリッツ・ラングの映画「メトロポリス」や、コンピューターアニメのパイオニア、ジョン・ホイットニーによるサイケデリック映画、1982年のSF映画「トロン」やDMTなどの幻覚剤を彷彿とさせるものとなりました。なので、オルタナティブなタイトルということで「1923 aka Heaven」としました。「1925 aka Hell」については、ルサージュの絵を分割して、連続した壁のシリーズとして重ねていくことから始めました。ルサージュのパターンを動きのあるパーツやメカニズム、見るものが必ず通過するドアなどにしていくのは当然のことと思えましたから。この作品はより暗さのある空間、ユングとH.R.ギーガーの中間にあるような延々に続く精神世界、古代エジプトのお墓とゲーム「トゥームレイダー」(1996)を彷彿とさせるものになり、タイトルは「1925 aka Hell」としました。

作品は世界中の数多くの映画祭で上映されているようですね。これまでの活動でターニングポイントとなった作品があれば教えてください。

RCAの卒業制作映像「コリジョン」により新しい方向性での仕事の幅が広がりましたね。どの作品も自分の実績を形成し延ばしていくものなのですが、「コリジョン」がターニングポイントでもあるし、スターティングポイントでもあるのです。「コリジョン」が少なからず印象深いのは、アブストラクションを通じて政治に関してコメントしたり、メタフォーとしてグラフィックアートを展開したりという、何か新しいことをやったからでしょう。従来のストーリーを語るという部分を省き、音とイメージを結合させ、地政学的な状況をカレイドスコープっぽい映像で制作したものです。

ショートフィルムやミュージック・ビデオなど、他の作品をご紹介頂けますか?

ここで紹介したい作品に、ショートフィルムの「スピン」(2010)があります。「コリジョン」のアイデアを発展させた作品で、パターンとシンメトリーであることは、直接的に、そして、普遍的に美しいものとして知覚されるという事実を利用してつくりました。興味深いテンションをつくり出している「コリジョン」は、物語が革新的に展開しつつ、見る者は即座にその美しさを通じて作品の世界へと引き込まれるという作品です。物語のインパクトが最も影響を受けると、見る者は逃れられないほど、すでにそれに魅了される。僕にとって、これは暴力の審美性や戦争の併合性などに対するコメントでもあります。その上に「スピン」は、1927年にジークフリート・クラカウアーが命名した「マス・オーナメント」(mass ornament)ということにフォーカスして構築しています。また、バスビー・バークレーの現実逃避主義のハリウッドミュージカルのビジョンや、コミュニストのパレード、レニ・リーフェンシュタールの独裁的なファンタジーなどからもインスピレーションを受けています。「スピン」では、過去と現在のおもちゃの兵隊が、ビジュアルパターンとなることを余儀なくされ、見世物としての矛盾を展開します。暴力とエンターテイメントの境界はもはやぼやけ、軍隊(troop)と一座(troupe)の境界もまたしかりである。厳密な意味で、この作品は抽象的なものではなく、ビジュアルの動作とコンセプチュアルな抽象性を通じてその目的を果たしているのです。

DOTMOV選出アーティストのロバート・サイデルとの共同作品があるように、様々なアーティストと多数のコラボレーションを手掛けていますね。これまでのコラボ作品について教えて下さい。

2008年にロバート・サイデルと5週間日本ツアーを行ったんです。そこで、ロバートのオーガニックな美しいものと僕のグラフィックのアプローチを組み合わせ、ビジュアルパフォーマンスのコラボ映像をプレゼンしました。それ以来(ゆっくりと)一緒にある映像作品を手掛けています。でも、純粋なコラボレーションというよりは、2つの映像で同じ題材に取り組むといったような感じで、「バイポーラ」(Bipolar)というタイトルで日本での経験を抽象的に凝縮したような作品です。このプロジェクトは2011年に完成予定です。あと、ここ2年程は、エクスペリメンタル・アニメーターのノリコ・オカクライブ作品でコラボレーションしていますね。オーディオビジュアル・パフォーマンスの「(O)」という作品では、ノリコのイメージと僕の音楽とのコラボレーションを展開し、アニメーション・パフォーマンスの「/\/\/\」は、2010年ボーフム国際ビデオフェスティバルで受賞を果たしました。他にも、2009年にヨーロッパ中をツアーしたパフォーマンス作品「OH YES」などがあります。

共同監督作品というのは自分にとってかなり大変ですし、通常はあまりやりません。その他だと、ジ・エッグ、ベースメント・ジャックスや父親のヘルムートなど、主にサウンドアーティストやミュージシャンとライブやビデオでコラボレーションしますね。一番最近にやったオーディオ/ビジュアルのコラボレーションは、僕のライブビジュアルとトルコ人作曲家のMehmet Can Özerとの即興演奏があります。ビジュアルと音という素材のダイレクトなコミュニケーションや人間の即興演奏というのが、自分が今後もっと広げていきたいものなんです。

パルチザンに所属していますが、コマーシャルなプロジェクトは手掛けてますか?

今年始めにパルチザンに所属してからは、世界中でのパフォーマンスや作品の展示などでかなり忙しくしているので、パルチザンを通じてはまだコマーシャルな作品は手掛けていません。パルチザンは自分の実績にあらゆる面でとても協力的で、静岡市クリエーター支援センター(CCC)での作品の展示の際もサポートしてもらったりと、今後のパルチザンとのプロジェクトが楽しみですね。

インスピレーションとなっているものは何ですか?

グーグルやビング、壁紙や絨毯、モザイクやマンダラ、絵や写真、彫刻や建築、光や陰。抽象映像、スローモーション、モーショングラフィックス、グラフィックデザイン、デザイナー・ドラッグス、食べ物、ファッション、友人や一般的な人々。また、鉱石、石、惑星、幾何学、地理、顕微鏡、戦争と宗教。あと、本、退屈さ、興奮すること、ストレス、パニック、音楽、音、ノイズ、サイレンスや、もちろん旅行もです。

好きなアーティストや映像作家を教えて下さい。

ハンス・リヒター、ヴァルター・ルットマン、オスカー・フィッシンガーなど、特にドイツ人の初期の前衛アニメーターの作品が素晴らしいなと思っています。あと、メアリー・エレン・ビュートやドウィネル・グラント、コンピューターアニメーションのパイオニア、ジョン・ホイットニーやラリー・キューバなどアメリカ人も好きですね。これら全てのアーティストが、抽象的なものや抽象性を動画で表現し、絵を動かしたり、音楽を視覚化したり、形、色、リズムを探求するような、時間軸のある作品をつくったりしています。

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ジェマパーとのコラボレーション作品からインスパイアされたSHIFTのイメージを制作されたとか。どんなアイデアのもと制作されたのですか?

この作品は、僕の映像作品「Aanaatt」のビジュアル世界を再訪するというもので、日本から多くの影響を受けて常にシフトする環境を表現したものです。SHIFTに向けてという意味では、この作品が最適な選択だと思ったのでね。「Aanaatt」は、ロバート・サイデルとの日本ツアーの後、2008年の夏に日本のエレクトロニカアーティストのジェマパーに向けて制作した作品です。ワイデン+ケネディ トウキョウ ラボから依頼を受け、ノリコ・オカクによるアニメーションをフィーチャーしています。

ロンドンとドイツを拠点にしているそうですが、2つの異なる都市での仕事や生活で最高と思う面はどんなところですか?

現在はほとんどロンドンに拠点を置いてます。非常に忙しくて、物価が高く、いろいろ沢山あるところです。いつも多すぎるほどの展覧会が開催され、多すぎるほどたくさんやることがあり、全てをカバーする時間のある人など誰もいません。でも、常に気を張りつめ何かに向かわせてくれる場所であり、ロンドンにいると世界と繋がっている感じがします。ロンドンには世界のあらゆる場所から人が集まり、そこからどこへでも簡単に行くこともできる。僕は旅行をたくさんするので、5つもの空港が近場にあるというのはとても便利ですよ。それに対して、ドイツの南にある僕の地元のウルムは、山や森に囲まれた場所です。ウルムには世界一高い教会の尖塔があり、アインシュタインの出生地でもあります。当然何もなく、隠れたり、よく食べたり、よく寝たり、家族と過ごしたり、再充電したりするのに最適なところですね。

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Sync (2010 / loop / installation)

今後の予定を教えて下さい。

2011年までにいくつかあります。ブリュッセルのアニマ・フェスティバルで回顧展、ベルリンのディレクターハウス・ギャラリーで上映、リオデジャネイロのロホ・ノバでギグ、カルアーツでのワークショップ、ミュージアム・クォーター・ウィーンで2ヶ月間滞在制作など。現在は、UKのブレイクコア・アーティスト、レディスクレーパーとコラボして映像を手掛ける他、アンビエントのアニメーション作品の共同監督作品の最終段階に入ってます。どちらのプロジェクトも2011年初め頃にリリース予定です。

そして、新たなビジュアル機材「Hattlerizer」の開発があり、これはこの夏にアニメーション・ワークショップで滞在制作を行いました。その時の素晴らしいプログラミングスキルをもったSune Petersenには感謝です。ライブで行うビジュアルパフォーマンスを飛躍的に発達させた機材で、先月もトルコとデンマークのコンサートで初めて使用しました。

あと、現在は最新作の「Sync」を展示する場所を探しています。オランダ・フローニンゲンのPavlov E-Labより委託されたこの作品は、大きな魅力的なマンダラの形をした単発でループするインスタレーションです。この映像作品すべての物語とアニメーションは、たったひとつの大きなバーチャルのディスクで制作され、一つのイメージが一秒に20回転するというもの。オランダの理論物理学者と密接なコンサルタントのもと実現した作品で、すべての物事の核となる部分には不変の同期性(シンクロナイゼイション)が根底にあるというアイデアをベースにしています。

今後どのような活動をしていきたいですか?

実体験できるインタラクティブなインスタレーションを脳波ナビゲーションを使用して手掛けてみたいですね。

Text: Mariko Takei

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