松山智一

PEOPLEText: Yuji Shinfuku

変容するグローバルな世界の国境を越えた自己。日本の伝統絵画を世襲しつつも、ストリートアートと現代美術を行き来し観る者を魅了する。

松山智一

インタビューで松山智一氏のスタジオを訪ねた際に聞いた面白いエピソードを紹介したい。ニューヨークには現在、数多くの日本食レストランが存在するが、松山氏の家の近所にも例に洩れず日本食を出すレストランがあるという。日本といえば、サムライ、芸者… という使い古されたいかにも “ASIA”なイメージを今でもどれだけのアメリカ人が抱いているのか正確な数は定かではないが、こちらに住む日本人の目から見ると 2013年現在においてもその数はいまだ多い様に思われる。そのレストランにはそんなアメリカ人のイメージにぴったり来る様な名前、「KYOTO」という店名がついているそうだ。ニューヨークのブルックリンでなぜ京都… その脈略の無さに日本人なら驚いてしまうところだが、そんな事とは我関せずアメリカ人が平然と寿司をつまむリアルな日常がここにはある。日常にふと現れる異文化のミクスチャー、国境を越えた際に自然発生した間違った解釈。きわめつけにその日本食レストランは日本人経営の店ではなく、雇われ中国人が経営しているというのだ!

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“The Future Is Always Bright , Study 1”, Tomokazu Matsuyama, 2010, Acrylic on canvas, 36 x 48 x 3 inch

ニューヨーク、ブルックリンのグリーンポイント地区にアーティスト松山智一氏のスタジオはある。多くの現代アーティストのアトリエが集まっている地域で、KAWSや村上隆などもこの地域にスタジオを構えている。小学校の時期に家族で渡米し、中学生になる帰国するまで滞在したアメリカでスケートボード、ストリートカルチャーの洗礼を受けたという。日本ではグラフィックデザイナーとして活躍され、雑誌リラックスで作品を発表されていたそうだが、もっと自分の好きな様に作品を制作したい、もっとクリエイティブに生きたいという思いから渡米しアーティストに転身。その後はグループ展、個展を重ね、日本、アメリカを中心に、香港、ドバイなど世界中で作品を発表している。その生い立ちに反映される洋の東西が入り交じった独特な世界観と、ポップで色鮮やかな作風で見るものを魅了する。

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“Holy Urine”, Tomokazu Matsuyama, 2012, Acrylic and mixed media on canvas, Approx. 90 x 56 inch
 
松山氏の作品には日本絵画の伝統的な技法やイメージを用いていたり、フィギュア、空間の余白の取り方等、日本美術の影響を感じさせる所が多い。しかし日本の伝統的な絵画の要素を用いるにしてもそのままなぞるのではもちろんなく、ある種ネタ使いし自分のスタイルに取り込み、結果的にそのような日本の伝統絵画をアップデートしているような所がある様に思う。そしてストリートアート、グラッフィクデザイン的な要素と融合させる事で日本を含むどの様な国の人の目も引くユニバーサルな言語を獲得している様に見える。作品の色彩もポップで目を引く色使いをされているのだが、カラフルな蛍光色と淡い色彩の組み合わせは、細かな配慮がなされていて、その絶妙なコンビネーションは他に類を見ない独特なバランスを生み出している。

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“Bon Voyage”, Tomokazu Matsuyama, 2012, 22K genuine gold leaf, polyurethane auto paint on solid polyurathane ren shape, 48 x 24 x 24 inch

それに加え松山氏の作品は、上記のレストラン「KYOTO」のエピソードに見られる様な、異なる文化の相互関係が生むどちらか一方からの視点では完結できないような媒体を相手取っている様に思う。行き場の無いある種文化の不協和音、バグをエンターテイメントとして昇華させる。近年ニューヨークで開かれた2つの展覧会「East Weets Mest」「Glancing at the twin peaks」というタイトルにも現れている様に思う。2つの全く違う文化を知る松山氏から見たあべこべの、ある種矛盾をはらんだ文化の融合。それは日本とアメリカを行き来された経歴にも重なるところがある。しかしそんなミクスチャーな自分のバックグラウンドをそのまま表現するのではなく、ある種グラフィックデザイナー的な一歩引いた視点からその混沌を作品として成立させる。世界中で様々な文化が目まぐるしい速さで変容し、交配されている様な現代の形相を切り取っている様に見える。

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“Us”, Tomokazu Matsuyama, 2011, Acrylic and mixed media on canvas, 48 x 72 inch

作品とタイトルの関係もとても興味深いものが多く、個性的で目を引くタイトルが多い。一見どう結びついているか解らないタイトルと作品のバランスは、東洋的ななにか教訓めいたものを想起させる。それはまるで日本昔話の様な作品の裏にある物語で、鑑賞者はどこか西洋とは違う思考の流れを感じるのではないだろうか。また麒麟、鹿、鶏など多くの動物も作品内には登場し、その躍動感のあるフォルムはグラフィック的でストリートカルチャーからの影響を見て取れる。多くの要素が混在し、鑑賞者が色々な観点から楽しめる伏線がちりばめられているが、それは堅苦しいものではなく、なにより万人がパッと見て目を引く魅力に溢れている。

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“The Wind of the Nights”, Tomokazu Matsuyama, 2008, Acrylic on paper, 20 x 29 inch

アンディー・ウォーホルに代表されるニューヨークのポップアートにも大きな影響を受けているそうだが、松山氏のようにストリートアートとアカデミックなアートを自然に行き来できるアーティストは少ないのではないだろうか。立体作品も手がけられていて、「Wherever I am」という作品は、1895年にアメリカのアーティスト、フレデリック・レミントンが製作した有名彫像「Bronco Buster」に捧げられている。アメリカ人なら誰でも知っているであろう、西部の開拓を象徴する歴史を背負ったこの作品をリスペクトを込めてネタにし、それにフラットでまるで日本という国が持っているポップな要素を抽出したような、ある種相反するイメージを混ぜ合わせた作品である。このいかにも東洋人というような髭を口元に生やした巨大なレゴブロックの様な騎手は松山氏の分身といっていいだろう。松山智一というアーティストのミクスチャー的存在を象徴している様な、異なる文化の幸せな邂逅を見て取れる作品ではないだろうか。

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“Wherever I am”, Tomokazu Matsuyama, 2009, (Homage to Bronco Buster) Installation View

ニューヨークを拠点に世界中で活躍されていて、海外と日本のアートの浸透度の違いを感じる事も多いそうだ。日本と比べると欧米ではアートというものがより日常にあり、ギャラリーの数も桁違いに多い。日本人のアーティストが海外で成功するには、海外のアートのチューニングをわかっていて、自分の手持ちの情報をいかに変換するかという能力も必要になってくると松山氏は語る。異なるバックグラウンド、ルールを理解し、作品の中で消化する。それゆえに松山氏の作品内に日本と海外のある種の矛盾を楽しみ、様々なコンテキストから鑑賞できる仕掛けが散りばめられている。ミクスチャーな表現ゆえの自然に現れてくる作品内の多くの言語。それは聴衆に対する問題提起であり、一種のなぞかけである。ヒントはタイトルのみで解釈は観るものに委ねられている。しかしそれは鑑賞者を突き放したものではなく、ユーモアのあるひとつのエンターテイメントとして成立していて観衆を巻き込む魅力に溢れている。

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Installation View at MMG, Los Angeles

NIKEやLEVISなど多くの企業とのコラボレーション、また壁画へのペイントなどを見てわかる様に、松山氏の活動はギャラリーでのみ作品を発表するということにとらわれず、周りを巻き込み何か面白い事をやってやろうという様な気概にあふれている。対極なもの、異質なものがぶつかりあった時に生じる化学反応を作品に落とし込み、そしてそれをいかに他者と共有し、社会に落とし込むか。松山氏の作品は様々な側面を持ち色々な観点から鑑賞できるが、ポップで誰にでも入っていけて単純に観衆をハッピーにする魅力にあふれている。日本の伝統的な絵画を世襲しつつも、独自の表現形態を確立されワールドワイドに活躍されている松山氏。加速度的に変わりゆく世界。様々なミクスチャーの中で存在するエゴを問う様な、そんなミクスチャーな自己存在を楽しむような作品は人種を超えて誰の目にも興味深くうつるはずである。自身4冊目の画集の出版や、ニューヨークのジャパンソサエティーでのグループ展などがすでにひかえ、企業コミッションでのコラボレーションを含めますます精力的に活動される松山氏の動向から今後も目を離せそうにない。

Text: Yuji Shinfuku

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