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川村真司

シンプルでユニバーサルな表現を生みだすクリエイター。

YouTubeで150万回以上のダウンロード数を生みだしたことでも話題となったミュージッククリップ「日々の音色」は、DOTMOV FESTIVAL 2009でも上映作品に選出され11月からスタートした各地のDOTMOV上映会場で多くの観客の目を楽しませてくれている。今回、シフトではその「日々の音色」の作者のひとりであるクリエイター川村真司にインタビュー。今年最後を締めくくるシフトカバーと共に、これまで手がけてきたヒット作から今後の展望まで、多くを語って頂いた川村氏による様々な声をお届けする。

川村真司masashi.jpg


まずはじめに、簡単に自己紹介をお願いします。

こんにちわ、川村真司です。今はニューヨークのBBHというクリエーティブエージェンシーでシニアアートディレクターという肩書きで仕事をする傍ら、映像ディレクターやブックデザインなどいろいろと活動しています。


TVコマーシャルやミュージックビデオなどの映像作品から、広告やCDジャケットデザインなどの印刷物、プロダクトデザイン、ウェブサイトなどインタラクティブなものまで、多岐に渡り作品を手掛けていますが、もともとは何の制作からスタートしていますか？　職歴などを含め現在に至るまでの経緯も教えてください。

大学で始めはプログラミングなどを学んでいたんですが、大学２年のときに（慶應義塾大学）佐藤雅彦研究室に入って、そこで初めてモノを作る面白さを学びました。そこでの活動を通して今のモノを作る上での考え方のほとんどを学んだといっても過言ではないです。

卒業後、博報堂に入社してCMプランナーとして働き始めたのですが、日本の広告代理店ではCMプランナーというと、どうしてもCMというメディアの中での仕事になってしまうことが多くて、そのことに違和感を覚え始めました。もともと僕はアイデアありきで、そこからウェブやテレビ、プリント、イベントなどそのアイデアにあったメディアに表現を広げていくことが正しいと考えていたので、物足りなくなってきてしまって。

そんなときに、外資系の広告代理店であるBBH Tokyoの立ち上げがあるという話を聞き、移籍を決意して日本にいながら海外のクリエイティブ・ディレクターとのやりとりを学びました。その後、ロンドンのBBHでも活動したのですが、規模が大きくてフットワークが重かったので、もっと「少人数でクリエイティブなことができる場所に身を置きたい」と思い、その足でオランダのアムステルダムにあるクリエイティブ・エージェンシー180を訪ねて行ってそのままそこに１年強ほど在籍していました。そして今年の始めに今度はニューヨークのBBHに移籍したところです。



これまで手掛けてきた作品にTVコマーシャルの「JINRO」がありますね。くせになる音楽と映像が印象に残っています。こちらはどのようなことを手がけたのでしょう？また製作の経緯や内容や印象に残るできごとを教えてください。

JINROのCMは博報堂に入社して１年目、初めて自分の企画が採用されたCMでした。はじめは振り付けを絵コンテにして社内でチームにプレゼンしたんですが、当然そんなことじゃ企画が理解されなくて。それでくやしくてその夜友達を集めて実際に踊った姿をビデオに撮って、翌日再度プレゼンしたんです。そしたら今度はみんな「なんか理由が判らないけど間が抜けてて面白い」と言ってくれて、それでそのままクライアントにもプレゼンしようということになりました。そのとき、多くの人といっしょに何かを作り上げる時、いかに自分のビジョンを共有する事が大事かということを学びました。

企画が採用された後は監督として起用したジェフ・マクフェトリッジといっしょに振り付けを調整したり、映像の流れなど細かい部分を洗練していきました。彼はもともとグラフィックをベースにした表現を得意とするディレクターだったので、すごい空気感を作るのがうまくって、とてもいい抜けのある映像に仕上げてくれました。ただ、フィルムができあがったときはみんなで、何かとんでもなく変なCM作っちゃったんだけどいいのかな？とちょっと不安に思ったりしたのも覚えてます。ただ、そうやって作り手も100%判断できないくらいラディカルなものができたときの方が、大抵新しくて良いものになると最近では判ってきました。



「Rainbow In Your Hand」について。YouTubeでのプロモーションを上手く利用したようですが、元々の制作の動機や販売方法について、またYouTubeを使うことで、成功するかもしれないというイメージは最初からあったのでしょうか？

元々は僕がパラパラマンガが好きで、何かパラパラマンガで新しい表現ができないかとずっと模索していたことから始まりました。ある日パラパラマンガをめくっていると、連続したコマがアニメーションするのとは別に、ページの間に残像が残るのに気付いたんです。これはまだ誰も表現に使った事がないなと思って、それで何かできないかと考えていたとき、ちょうどアーチ型の残像なので虹ができたらうれしいなって思ったんです。それで試しに自分のプリンターで出力してプロトタイプを作ってみたら、想像した通りに上手く出来て。そこからこの表現が世の中にどう存在するのが一番いいのかって考えたときに、アート作品よりもプロダクトとして書店に置かれる方がいいと思い、知り合いの印刷業者にお願いして自腹でまず300部ほど刷っていろんな書店に売り込みにいったんです。そしたらユトレヒトの江口さんがすごく気に入ってくれて、それから印刷と流通もそちらでお願いできる事になって。

そのとき宣材として撮影した写真と動画が結構うまく撮れたので、YouTubeにも載せてみたらそれが予想以上の広まりをみせて、海外の有名なデザインブログにも取り上げてもらえました。結果最終的にはパリのコレットなどにも置いてもらえたりしました。どの国のどんな年齢の人にも受け入れられるような、言葉に依存しないユニバーサルなアイデアだったのがこの広がり方を手助けしたのかな、という風に思っています。正直YouTubeに載せれば世界の人が見てくれるんじゃないかとは思いましたが、ここまで広まるとは思っていませんでした。おかげで今までは頭で知っているだけだったviralの強さを初めて肌で実感することができました。小さくてもいいアイデアなら見てもらえる。そんな自信がこのとき生まれました。


NHKの「ピタゴラスイッチ」の製作に携わっていらっしゃるようですが、川村さんはどの部分を手掛けていらっしゃいましたか？

僕がメインに担当した部分は「ピタゴラ装置」と「アルゴリズム体操」でした。ピタゴラ装置は普通の家庭にある日用品を使って新しい玩具を作れたら、子供も家で真似ができて面白いなと思って企画しました。またピタゴラスイッチはいくつかの複数のコーナーで構成しようとしていたので、そのコーナーとコーナーをMTVのステーションID風につなぐのにちょうどいい表現だったんです。僕が関わっていたころは家からいろんな本やら食器やらを持ち寄ってNHKに２週間ほど泊まり込み合宿をして、設計図もなしにみんなで「ああでもない、こうでもない」いいながらアドリブで作ってました。おかげで撮影に70テイク以上かかるような複雑な装置もあったりして大変でした。

アルゴリズム体操は、佐藤雅彦先生といっしょに振り付けを考えました。教員室にこもって２人でせーのでいろんな振り付けを試したのを今でも覚えています。子供と親だったり、友達同士だったり、他の人とつながって完成したときに面白くなるような振り付けを目指しました。子供や親から振り付け覚えて踊ってます！と言われる度にすごくうれしくなります。巡り巡ってある日YouTubeでフィリピンの刑務所の人がアルゴリズム体操を踊っている動画を見たときも感動したのを覚えてます。



今回、DOTMOV 2009でセレクトされた作品「日々の音色」について教えてください。SOURの楽曲「日々の音色」のミュージッククリップですが、製作の経緯、表現のアイデアや、共同制作者のご紹介も併せて作品紹介をお願いします。

元々SOURのhoshijimaとは高校で同級生だったんです。そのときから彼は音楽をやっていて、僕は絵とかを描いていて。活動の範囲は違っていても、お互いに趣味がすごいあっていたからいつか何か一緒にできたらいいねって話をしていて、SOURのデビューに合わせて初めて「半月」というミュージックビデオを作りました。その後「面影の先」という曲のためのビデオも作ったので、彼らのためにビデオを作るのは今回で３度目になります。

今作「日々の音色」は僕と、BBHでチームを組んでいるハル・カークランド（彼とは前作「面影の先」もいっしょに制作）、それとニューヨークで活動してる映像作家のナカムラマギコ＆中村将良とで作り上げました。4人の根性の結晶です（笑）。

まず企画を考え始めたとき真っ先に「日々の音色」の歌詞から、「バラバラの個性」「つながり」といったイメージがコンセプトとして浮かびました。それからバンドが日本にいて僕ら制作チームはニューヨークにいたので直接撮影はできなかったり、予算もないので撮影機材もそんなにいいものは使えないといった課題がありました。ただ、逆にそうした制約を活かした企画を考えられないかと発想を切り替えた時に、ファンにウェブカムで撮った映像を送ってもらって、それをつなぎ合わせて大きな絵を作り上げたらどうだろうというアイデアを思いつく事ができました。僕らが日本と連絡をするときはスカイプだし、「今の人ってそういう形でつながっているよね」と。

制作期間は企画構想から完成までで約３ヶ月ほどかかりました。僕らスタッフが４人とも昼間は別の仕事をしていたり、相当な人数に演技指導と撮影をしなくてはいけなかったため想像以上に時間がかかりました...。コンセプトが決まってから始めのひと月は、様々なサイズのグリッドを出力してそこに考えられる限りのアイデアをどんどん書き起こしていきました。その中で良さそうなものを今度はアニメーションにして曲とのタイミングを計り、それをもとに細かい振り付けをテストするため一度自分たちを撮影して編集して、ビデオのプロトタイプを作成しました。その映像を参加してくれるファンの人に送って、それを参考に踊ってもらいました。映像をいじっているように思われるかもしれませんが、なるべくタイム・ストレッチなど編集のギミックを使っていないことに執心しました。そのこだわりと、見知らぬ人とつながる喜びや、ファンの人々のバンドへの愛情などがこのビデオの手作りな質感と完成度を生んでいるんだと思います。


幅広い分野で作品を制作していますが、どの作品にも「ユーモア」な部分を一貫して感じられます。川村さんにとって、ユーモアを表現することはひとつのテーマでもありますか？

実は自分では「ユーモア」とか「笑い」が苦手だと思ってるんですよね（笑）。
僕がはっきりと求めているテーマは、シンプルでユニバーサルな表現であるということ。どの国の子供でも大人でも、誰が見ても楽しめるような表現が一番強い表現だと思って制作をしています。ただそれに加えて、最近自分の作ってきた作品を振り返って思うのは、自分がどこか人の温もりというか緩さを感じさせる表現が好みなのかな、ということ。もしかしたらその緩さの部分がユーモアに感じていただけてるのかもしれませんね。


tisshoes.jpg
TISSHOES


映像、プロダクト、ブックデザイン、ウェブデザイン、インタラクティブなど様々な方法で表現されていますが、ご自身にとって一番楽しい（しっくりくる）表現方法は何ですか？今後展開してみたい活動などあればそちらも合わせて教えて下さい。

一番自分が経験があって目が肥えていると感じているのは映像表現なのですが、僕はやはりどのメディアの表現ということより、その元になるアイデアを考えることが一番しっくりくるというか自信のあることだと思っています。だから自然ときっと作るものが毎回全然違ったものになるんでしょうね。自分としては今後、プロダクトデザインやアプリケーション、インスタレーションとかこれまで自分があまり実験していないメディアでの表現にどんどん挑戦していきたいと思っています。


今回手がけていただいたカバーデザインについてそのコンセプトなどご紹介ください。

コンセプトはそのまんま「SHIFT」です。カバーなのでやっぱりSHIFTのロゴは使いたいなと思って。そこからいろいろ考えて、SHIFTのロゴ自体がSHIFTしてSHIFTを表すいろんなものに変形していったらかわいいなと思ってつくりました。もう少し長尺を考えていたんですが、時間切れになっちゃいました。


最近の活動について教えてください。最新作や進行中のプロジェクトはありますか？

会社の方では今、来年のAXEのグローバルキャンペーンをいくつか手がけています。会社の外では、最近Paul Hunterという監督と一緒にスヌープ・ドッグのミュージックビデオを作りました。

進行中のプロジェクトはいくつかあって、ひとつはスパイスボックスと東京半島という会社と一緒にADOBE AIRを使ったちょっと新しいアプリ/サービスを作っている所です。これは年内にはお披露目できるといいなぁと思ってます。それと中村勇吾さんのプロジェクトの企画をさせてもらっています。他にもジュエリーやインスタレーション企画がものすごくゆっくり進行してます（笑）。その辺は2010年にお披露目できたらいいな。

映像やプロダクトはもちろん引き続き作って行きたいですが、自分へのチャレンジとして、過去に扱った事のないようなメディアでもっと表現の実験をしていきたいですね。


アイデアをカタチにするのに、大切な事は何だと思いますか？また川村さんのように世界で様々な分野のクリエイティブで活躍したいと考えている若い世代に向けてメッセージをお願いします。

ともかく何でもまず自分で作ってみることが大事だと思います。失敗してもいいから、ともかく自分の手を動かす事。実現するための方法にも頭を使う事。アイデアを考えつく事ができる人は世の中たくさんいます。でもそのアイデアを試行錯誤して不格好でもなんでもいいからなんとか形にする人の数は少ない。それができるかできないかがとても大きな差になると思います。僕もこうすればアイデアがカタチにできるとかいう確固たる方程式なんてもっていません。毎回どうしたもんか、と悩むことの連続です。でもそれをきちんと悩んで、表現するための方法をも自分で作るくらいの情熱をもって取り組むことが大事なんだと思います。

あと海外で活動することはそんなに難しいことじゃないです。日本のクリエイティブのレベルの高さは海外と比べても遜色がないと思う。英語だって、もちろんできるに越した事はないですが、僕らの仕事はアイデア勝負なので良いアイデアがあってそれを絵とかでもいいから相手に伝えられれば全然問題ないと僕は思ってます。多分、無理だと思って挑戦しないことが一番の壁になるので、ともかくもっと若い世代の人にはチャレンジをして欲しいです。それで是非いっしょに面白いモノ作りましょう。


Text: Mariko Takei

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