アンテ・ヴォジュノヴィック

PEOPLEText: mina

アンテ・ヴォジュノヴィック。アッシュ・ぺー・フランスの招聘アーティストでもある彼は、都心から40分くらい離れた郊外にアトリエを持ち、ただ一人クリエイションの歓びを噛み締めていた。何を話しているのかもわからない日本語が飛び交うこの国で、何にも惑わされず、何にも縛られずに。
そんな光のアーティスト、アンテ・ヴォジュノヴィックが見つめているものは何だろう。

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「46gの光」

1975年から独学でクリエイションの世界にお入りになられたそうですが、転向されたきっかけは何だったのでしょうか?

クリエイション的にはもう子供の頃から、ものづくりが好きでした。北アフリカにいた時は自然の中で一人で過ごす時間が多かったです。友達と話さないとか誰かと一緒にいないということは、自分で考え想像することが多いので、イマジネーションみたいなことはその頃から培われてきたように思います。いつも何か違うことを探し続けていました。軍隊にも入ったし、料理人にもなりました。ある恋人と付き合っていた時には、二人でファッションアクセサリーもつくりましたし、よく旅行もしました。ある日、もうやめよう!って決めて、全部やめたんです。恋人はイルカと暮らしたいと言って旅立ち、自分はアメリカにちょっと旅に出ようと決めて訪れ、初めてコンテンポラリー・アートの美術館に足を踏み入れたのが1975年でした。その時に、これなら俺にもできる!と作品を見て思ったのです。それで、その場で旅をやめパリに戻り、アンチーブにあった身の回りのものを全部売り払い、パリにアトリエを一つ買い、そして、クリエイションの世界に入りました。

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光の彫刻「NOUS」

その衝撃を受けたという、美術館での具体的な作品は何だったのですか?

ヒューストンで目にしたのはアンディ・ウォーホルやロイ・リヒテンシュタイン、ウォルター・デ・マリアなど、ポップ・アートの作家達です。でも誰かということではなく、その時代のクリエイターたちの世界観を見て、アートなんて興味もなかったし意味も知らなかったけれど、彼らがつくったものに衝撃を覚えました。それ以来、何か見たことのないものをつくるということを、今日に至るまでずっと同じスタンスで続けています。

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「Presence d’eau」 Photo: STUDIO WORKS OZAKI

名古屋のエキシビション「プレザンス・ドー」について、教えてください。

次は何をつくろうかと考えている時に、80年代の水の作品「フォンテーヌ」よりも、もっとミニマリストなものをつくろうと思いました。つまり、可能な限りミニマルにするという意味は、そこに誰かが介入するということを思いついたのです。メンテナンスが大変だった「フォンテーヌ」とは異なる、循環式ポンプを使わない作品を考え始めて生まれた作品が「プレザンス・ドー」です。最初に試作をつくった時に、スタッフが「光を入れてみたら」と言い、光を入れてみた。それで今度は僕が「マルチプル」と言って、複数で置いてみた。名古屋の時にはそれをベールのような、ある種テントのようなもので覆い、その中に複数置いたときのイメージが頭に思い浮かんで、それを実現しました。

(「プレザンス・ドー」にはポンプがない。ガラス瓶の中に吊られた樹脂製の風船のようなタンクに、自分で瓶内の水をくみ上げる。風船の上の方に穴が開いていて、そこから水が風船内部に入り、その風船の下に小さな穴が開いていて少しずつ水滴が落ちる。それにより瓶内の水面が揺れ、その揺れが光で天井に反映される仕組み。)

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「二つの椅子の狭間で」

光を扱う作品も多いですが、作品と光の関係性についてはどうお考えですか?

多分、子供の頃の影響があると思います。ある時は電気のないところで暮らしていて、電球のような人工の光がなく、ランプやロウソクでした。ある日、どこかでスイッチをパチンと入れたら光がついて、「なんだこれは、魔法か!?」って思ったのです。自分の作品の中に光を入れるということは、昔のそういう刷り込みもあるし、フランスの言い方で「ケーキのイチゴ」というのがあって、ケーキの上にイチゴを一つ載せることで完成するとか、補完されてパーフェクトになるという意味なのですが、そういう感じで作品にも光を入れたらどうだろうと、多く光を扱うようになりました。

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「スポンジのテーブル」

「作業の終わりに」や「竹に咲く花」など、白の世界についてはどうお考えですか?

北アフリカのマグレブでは都会から離れると全ての家は真っ白なのです。彼らは毎年毎年、白を塗り直すのですが、それが好きです。マグレブや地中海の周りに住んでいた時代に、そんな風に白と一緒に過ごしてきました。だから、フランスのパリに来てからも、家の中を全て真っ白に塗っていました。以前の住人の生活感が残るのが嫌でまっさらにしたい、浄化したいという思いもありましたし、真っ白い空間に何か一つものを置くとそのもの自体の価値が際立ちます。だから自分の空間はより多く白くしておきたいし、より多く空っぽにしておきたい。恐らく白が必要になったのは、初めてマグレブに移った7歳の時からだと思います。白って、ピュアじゃないですか。

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「ERECTION」

どんな時にクリエイションの歓びを感じますか?

普通、クリエイターは「私はこれをつくる。僕はこれをつくる」というのがあると思うのですが、自分の場合には何でも良くて、何か見たことのないものをつくるということに歓びを感じます。常に誰かのためにではなく、まず自分のためにものをつくっている。これも多分子供の頃、一人で何か手で小さなものをつくった時にすごく歓びと達成感があり、その気持ちが今までずっと続いてきているからだと思います。子供の頃はそんなことは考えもしないでただ発見が嬉しかったですし、学生ぐらいになると完成したものに対してもう少しこうした方がいいかなと、少しだけ考えが作品に入り込んでくる。さらに大人になって恋人ができたりすると、この恋人を驚かせたい!そういったモチベーションで制作の優先順位が高くなったりもします。一緒にいる人が本当に喜んでくれたら、こんな動機付けになるものはないですね。

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「TANGO VARIATIONS」

作品をつくられる時、同時に美しい道具がたくさんつくられるそうですね。

例えば、ここにマジックがささっていて、ちょうどその高さで水平の線を引くためのものであったりします。こういうものは探しにいけば売っているものです。でも買ったら2万円くらいします。「タンゴ」では小さな木の板のくり抜かれた部分に樹脂を流し込み、何パターンもの椅子のラインで模型をつくりました。僕が何かものをつくる時、何でも存在するものを道具屋に行って買ってくるよりも、こうやって何か自分で工夫して道具のようなものをつくることが好きなのです。ここからクリエイションが始まってると思うからです。

アンテの部屋には白いベッド、白いテーブル、白いキャビネットしかない。シンプルで、ある意味空っぽな白い空間だ。だけど、多くの人が忘れたくないものを写真に収めるように、キャビネットの上にはアンテの忘れられない記憶の断片がそっと置かれていた。アンテの手でつくり出されたその模型の空間には、ギリシャに住んでいた時のベッドルームとモーリタニアの砂漠の家が再現されている。「大きく窓を開けると、ベッドの天蓋の布が大きくふわっとはためくんだ」。多くは語らないけれど、アンテの作品の中には光がある。それは目に見えない光もあれば、可視化され私たちの網膜にその映像を結ぶこともある。人が生きるということ、日々の記憶や体験ということの中に潜む光を、アンテは柔軟な思考とイマジネーションで立体にしていく。
帰り際、「解放することが大事なんだよ」と世界の秘密をアンテが教えてくれた。

アンテ・ヴォジュノヴィック
照明作家、光のアーティスト。知覚を体感する「竹に咲く花」や「二つの椅子の狭間で」では、『理想の人生は同時に二つのことを成し遂げることさ。この椅子に座ればそれができるよ。』と話す、コンセプチュアルなアーティスト。
http://www.ante-hp.com

Text: mina

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